Roma: "Las verdades las revela el agua"

"Roma" es una película independiente, escrita, dirigida y producida por el cineasta Alfonso Cuarón. La idea del film comenzó a gestarse poco después del estreno de "Children of Men", pero se mantuvo en discreción, hasta diez años más tarde, cuando oficialmente se anunciaría que Cuarón comenzaría el rodaje de su próxima película en Ciudad México. Es una co-producción de Participant Media y Esperanto Filmoj, y contó con Netflix para su distribución.

El suelo y el avión, una analogía a lo terrenal con respecto a lo espiritual

Esta afirmación surge a partir de un hilo de tweets realizados por el también cineasta, Guillermo Del Toro, como un análisis concreto del film de Cuarón. La anagnórisis, partiendo del concepto griego en el cual, el personaje principal se da cuenta de elementos esenciales que conforman su identidad, se nos presenta a partir de momentos precisos en el film, donde el agua siempre tiene protagonismo, de alguna u otra forma.

Heráclito, quien formaba parte del grupo de pensadores que dieron lugar a la generación de la filosofía pre-socrática, señalaba que "no es posible bañarse dos veces en el mismo río", pues el ser humano siempre se encuentra en constante cambio. Basándome en esta premisa universal del pensamiento filosófico, me resulta imposible desligar el hecho de que, Cuarón, consciente de traducir en imagen una historia donde los cambios son sutiles, pero realistas, empleó en más de una ocasión este simbolismo, para que el espectador pudiese "sumergirse" de lleno en la historia que le está siendo contada.

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El suelo del patio no es más que la representación de todo cuanto se vive en la tierra, de las problemáticas humanas, terrenales, cada una complicada a su modo de verlo. En aquel piso, cubierto de excremento de Borras, el perro de la familia, es testigo de los momentos vividos por la familia, incluyendo a las nanas, claro está.

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Es en esta superficie donde comienza el film, y donde comenzamos a asociar escenarios con personajes. Cleo limpia, como lo hace todos los días, y podemos observar cómo el suelo permanece sin secarse por completo cuando ella a buscar a Pepe, el más pequeño de los niños de la familia, y cómo, al llegar los demás, ya ha pasado un buen rato. Es en este suelo, donde observamos con precisión la entrada rutinaria y mecánica del Sr. Antonio, el padre de los niños, cuando, a pesar de ingresar triunfalmente a su hogar con un vehículo moderno, no tarda en manchar las llantas con los residuos del perro, que ha vuelto a ensuciarlo.

Este simbolismo continúa en el resto del film. Dos de los niños juegan afuera, bajo la lluvia, mientras la madre se encuentra en un dilema de si contarles a los niños o no, que el padre probablemente no regrese en un buen tiempo. Posteriormente, Cleo le confiesa a su patrona Sofía, que está embarazada.

El trasfondo

Sabemos que la película sustenta hechos en el comienzo de la década de los '70 del siglo XX, por ello, no es de extrañarse que en ella se introduzcan pequeños episodios de la historia contemporánea mexicana, como es el caso del 10 de junio de 1971. Ese día tuvo lugar la "Matanza del Jueves Santo", en referencia a la matanza del grupo militar 'Los Halcones', responsable de la muerte de 120 personas en una manifestación estudiantil. No se trata de una coincidencia, o de un acontecimiento al azar que Fermín, quien en un inicio es el novio de Cleo, sea parte de este movimiento, en vista de que él es la representación de los movimientos e ideales radicales, que culminan en tragedia. Este trasfondo en el personaje, se puede evidenciar a lo largo del film.

El feminismo más auténtico

De allí parte la trascendencia de este film, de ser universal aún cuando se trata de una película independiente, en blanco y negro, hecha por un director mexicano, quien decidió arriesgarse a contar la historia de la nana que lo crió de pequeño, con actrices prácticamente desconocidas por el ojo público, y sin la colaboración del aclamado personaje de la fotografía contemporánea, Emmanuel Lubezki.

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Para retomar...

El rol de la mujer en este film es sumamente complejo. Es la mujer quien siempre lleva las responsabilidades más grandes, asimismo, se encuentra ante los dilemas más difíciles. A pesar de que las clases sociales son un factor evidente en la película, tal y como también lo expresa Guillermo Del Toro en su análisis, las barreras son más bien mentales, pues, incluso entre Cleo y Fermín, existen estos muros emocionales e ideológicos que los separan.

Así como los hombres de esta película suelen desempeñar papeles infantiles, inmaduros, instintivos y primitivos; las mujeres deben encargarse, entonces, de enmendar todo cuanto el hombre ha dejado detrás.

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Los conflictos de Cleo y Sofía

Si Cleo queda embarazada, ella contará con el apoyo de otras mujeres de la familia (la Sra. Sofía, la abuela de los niños, e incluso, la Dra. Teresa y el resto de las nanas de la película). Si Sofía es abandonada por su esposo, enfrentará momentos cruciales que le permitirán percatarse de que él, realmente, no es indispensable para conseguir la felicidad, pues ya la ha encontrado con su familia. En la medida en que siente que su marido está cada vez más distante, ella se acerca a sus hijos, hasta quedar en un cuadro familiar que no solo enaltece a la figura de la madre como la responsable de la familia, sino a todos los niños como partícipes de ella, y aportan, cada uno desde su individualidad, una característica que fortalece el nexo entre todos, incluyendo a Cleo.

Sin embargo, Cuarón es inteligente, y distingue claramente que, a pesar de que los niños y Sofía incluyan a Cleo como parte de la familia, siempre existirán diferencias que la separen de ellos.

Diferencias sutiles, detalles casi imperceptibles, pero que nos dibujan concretamente el lugar de Cleo.

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Por ejemplo, al regresar del viaje a Tuxpan, los niños le cuentan a su abuela cómo fue que Cleo los salvó de ahogarse. Y su diálogo pasa de "Nos salvó Cleo" a "¿Me preparas un licuado de plátano?", casi de inmediato.

Otro comentario de Guillermo Del Toro, sugiere que la cinematografía de Cuarón repercute en que "Roma" trasciende del cine y se transforma en un fresco, un mural, donde, a través de paneos, dollies laterales y planos simétricos, todo se encuentra en un solo cuadro, y cada uno de los detalles se perciben como quien detalla una pintura en una pared.

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Esta temática visual de simetría se puede observar a lo largo del film, en la medida en que los personajes principales de la cinta se encuentran en un estado de soledad, tal y como le ocurre a Cleo, o a Sofía, a cada una por razones diferentes y particulares.

Es aquí, donde Cuarón da justo en el blanco, permitiéndose contar la historia de dos mujeres que, por alguna razón, se sintieron destrozadas a raíz del ego masculino, no obstante, hicieron de esto solo un capítulo más en la historia de sus vidas, y continuaron con la fortaleza estoica que solo las mujeres desarrollan por naturaleza.

El homenaje que existe detrás de "Roma"

Uno de los mayores atractivos de "Roma", consiste en cómo el director traduce sus recuerdos de la infancia, y los lleva a la gran pantalla, como quien tiene la facilidad de conectar un proyector a su memoria.

Una gran parte de la película está basada en situaciones reales, donde Cuarón era solo un observador, un personaje más en la historia de Libo (el nombre de la nana de Alfonso, en quien está basado el personaje de Cleo). Por esta razón, la forma en como está construida la película, a través de secuencias largas, a lo que yo llamo "tiempo real", es ese factor estratégico que le da la esencia de estar sumergido en un mar de recuerdos.

Conectamos con la historia por su sencillez, por la identificación con tales o cuales detalles, sonidos de nuestra infancia, recuerdos propios o ajenos, pero siempre presentes.